Gloriosos 70s??

Googleando "tortugas pinja" me vengo a enterar gracias a este jugoso artículo que la Señora "Flaca Escopeta" protagonizó una porno-o más de una-en la decada del 70.
A partir de aqui copio y pego:

Porno argentino
La pornografía local ofrece un abanico expresivo paupérrimo, aparentemente congelado en el amateurismo en lo que hace a los aspectos de producción. Es un pésimo combinado. El director más prolífico se hace llamar Víctor Maitland. Luego de una bochornosa compilación de hardcores yanquis (Anuario), Maitland se compró una cámara y consumó Los pinjapiedras, Las tortugas pinja y Los porno sin-son.

Las taras del porno criollo condensan un amplio espectro de confusiones. Empezando por un trabajo de post-sonorización que no podría ser más fallido. Si el primer "gancho" del rubro era ofrecer imagen y voz argentinas (¡el público de estas pampas no sólo aspira a verse reflejado en Un argentino en Nueva York!), un doblaje groseramente fuera de sincronismo ha venido a dar por tierra con esta veta. Las voces, para peor, han llegado a ser de afiatados locutores que no se pegan ni por asomo con las criaturas que muestra la pantalla. Los pinjapiedras es la que llevó más lejos esta torpeza, y al mismo tiempo la que mejor trabajó los diálogos para el lado de la comicidad. El resultado llega a ser una buena pieza de humor radiofónico invariablemente disociada de las imágenes. Infaltable música cumbianchera, sombras de cámara, subexposiciones cierran un panorama virtualmente infantil para los videos argentinos destinados a los adultos.

Grandes mitos
Entre los grandes mitos del porno hay uno de industria nacional: Juegos de verano, el título que inauguró la categoría. Entre los extranjeros el más mentado debe ser Detrás de la puerta verde, en el que muchos ven una realización perdurable.

Filmada en 35 milímetros a comienzos de los 70, Juegos... permite apreciar en plena faena chancha a unas cuantas mascaritas del "medio artístico" mucho antes de que ganaran fama y dinero con la televisión (a veces se torna difícil distinguir a los unos de los otros, ya que el estado de la copia deja mucho que desear). En los pasajes de mayor nitidez se dejan ver Alberto Massini (posterior partenaire del gordo Porcel), Virginia Faiad (hermana de Zulma), Linda Péretz (sí: la mismísima Flaca Escopeta) y Alberto Morán. En fin. Se trata de un grupo de jóvenes que da rienda suelta a los bajos instintos durante un fin de semana en el Tigre. La textura de las imágenes remeda los films de Sandro y Palito que pudieron verse en TV tantos sábados por la tarde. Por supuesto que también hay coitos y fellatios. Los hallazgos de la cinta no tocarán la vena sexual pero sí la humorística: hay dos o tres para la antología de la risa no buscada. En uno aparecen Péretz y Massini, muy acarameladitos ellos, al lado de una conejera. Una pareja de conejos, que atisba Linda, fornica fuera de cuadro: "Nunca los había visto hacer el amor", dice mientras le suben los furores. "¿No les molestará?" "No creo", repone Alberto. Palo y a la bolsa. En pleno trance amatorio, la Péretz disipa la calentura aferrándose a un roedor. (Recientemente, y a raíz de estas líneas, recibimos una carta de Virginia Faiad, quien asegura que ella sólo apareció vestida, en una escena breve en la que "ni siquiera existió un beso", y niega el carácter pornográfico del guión de esta película a la que –también nos dice– nunca vio.)

Detrás de la puerta verde acusa malamente la época de su filmación. Estrenada en los cines yanquis durante 1973, se distingue empero de los pornovideos tradicionales. Goza de gran cantidad de exteriores, de una escenografía y una puesta en escena inusuales. Todo el despliegue, empero, va detrás de un planteo confuso, setentista en el peor sentido (y que ha sido seguramente el motor de su injusta fama). Marilyn Chambers, muy zarandeada después por roles de este tipo, encarna a una hermosa rubia raptada por unos maniáticos que la obligan a participar de sus rituales en una suerte de templo de perdición. El sucucho, bastante estrambótico por cierto, es el escenario de un preámbulo aburridísimo, que recuerda a la incalificable La lección de anatomía que deambuló 20 años por la cartelera teatral argentina. Hay multitud de trajes stretch, mimos onda Marcel Marceau, desenfoques "artísticos" y demasiadas erecciones en poses sacrificadas. Algo se le puede puede elogiar a Detrás de la puerta verde, y es un apasionado beso francés prodigado por Chambers. Trámite lento, enamoradizo (acaso retomado por Little Girls), sobreimpreso con el plano general de una ciudad de noche al amparo de sugestivos rasgueos folk. También incluye un memorable coito en off: ella y él se aman en primer plano, morosamente, con el solo sonido de sus alientos y el eco leve de la procesión inferior.

Guillermo Ravaschino

Another brick...

El senado estadounidense aprobó la construcción de la frontera con mexico de 1200 kilómetros de extensión para frenar la inmigración ilegal cuyo costo será de aproximadamente 6000 millones de dólares.
Luego de la aprobación del Senado, el presidente George Bush deberá firmar ahora la ley para lanzar la construcción del muro. Hasta el momento, los congresistas sólo aprobaron 1200 millones de los 6000 millones de dólares que requiere la obra.
El canciller mexicano Luis Ernesto Derbez afirmó que el presidente Vicente Fox enviará una nota de rechazo a la Casa Blanca y al Departamento de Estado.
La medida tenía ya la aprobación de la Cámara de Representantes desde el 14 de septiembre pasado y fue sometida por el Senado que finalmente aprobó la construcción tras las consultas entre demócratas y republicanos.
Además de la construcción, el proyecto de ley que establecía controles a lo largo de las fronteras terrestres y marítimas de Estados Unidos a través de 8000 agentes fronterizos y la utilización de satélites, cámaras y aviones sin piloto y la construcción de centros de detención con un total de 1000 camas para alojar a los indocumentados que sean atrapados.
Ana Maria Salazar exsubsecretaria del Péntagono afirmó en Radio que los mexicanos "han manifestado su enojo por la construcción del muro".
"Millones de mexicanos que viven en los Estados Unidos esperaban cambios en la ley de migración y el muro indica el endurecimiento de las negociaciones", indicó la ex funcionaria de la administración Clinton.

Salazar aclaró que "no es el primer muro" y la idea de construirlos en la frontera "ha tenido cierto éxito para evitar el cruce de narcotraficantes".

Ondas Etereas

Lev Sergeievitch Termen nació en Leningrado (actual San Petersburgo) en 1896. El futuro inventor del theremin escribe: "Comencé a estudiar electricidad a los 7 años y música a los 9. Amé la música desde la infancia, porque la sentía como algo vivo y real. Cuando comencé a tocar el cello, me confundía la contradicción entre la música y la forma en que la obtenía: a través del movimiento del arco, a la manera de un serrucho mientras oprimía las cuerdas con los dedos. Siempre había deseado encontrar una forma de unir mi pasión por la electricidad con la que sentía por la música. A los 13 años descubrí las altas frecuencias y los transformadores Tela. Tomé en una mano una vara de metal de tamaño medio y obtuve una chispa de alto voltaje acompañada de un sonido de alta frecuencia, observando que un cambio en la distancia causaba una variación en el tono del sonido. En 1920, por invitación del profesor A. F. Yoffe, volví al Instituto de Ciencias Físicas, Tecnológicas y de Radio, que él dirigía. Más tarde me pusieron a cargo del laboratorio de osciladores eléctricos. Diseñé una técnica que permitía la medición de la temperatura de un gas y un sistema de señales eléctricas que detectaba el movimiento de un hombre dentro de un radio de 4 ó 5 metros. Este método me permitía detectar cambios en la distancia de una magnitud de 0,0001".
El theremin está basado en el mismo principio. Moviendo la mano hacia el electrodo cambia el tono del sonido en un rango de 3 a 4 octavas. Termen mostró el instrumento a su mentor Yoffe, que de inmediato se fascinó con él y convocó a una reunión de todos los miembros del laboratorio. Luego de la demostración, el inventor-músico recibió una cerrada ovación. En noviembre de 1920 dio su primer concierto de theremin ante los estudiantes de la Facultad de Mecánica. El volumen, que antes se controlaba mediante un pedal, obedecía ahora a los movimientos de la mano en las cercanías de la antena izquierda. Desde afuera, los movimientos del thereminista parecían ahora los de un experto director de orquesta.
Termen solicitó la patente de su invento el 23 de junio de 1921, la que le fue otorgada por las autoridades soviéticas tres años más tarde.
En aquellos tiempos, toda la ciencia comunista estaba dedicada a la electrificación rural de la nación entera (menudo trabajo), y, cuando el inventor dio un concierto ante el Sindicato Electromecánico, brazo ejecutor del esfuerzo de modernizar la URSS, el theremin se convirtió en un gran suceso. De hecho, el concierto salió publicado en los dos diarios oficiales rusos, Pravda e Izvestyia, y los periodistas bautizaron el extraño pero delicioso instrumento con el nombre de termevox, contracción de la alocución francesa à voix de Termen, "la voz de Termen". Pero la trascendencia del invento siguió aumentando.
Escuchemos a Termen: "En mayo del ´22 tuve la dicha de conocer personalmente a Vladimir Illyitch Lenin, quien me invitó al Kremlin para que le hiciese una demostración del instrumento en su oficina. Me felicitó por mis investigaciones y se puso a tocar él mismo, que de por sí tenía un gran oído musical". El líder revolucionario dijo a Termen que creía que su trabajo era un avance en el campo de las nuevas energías renovables (la electricidad entre ellas) y en los proyectos de investigación que tendrían lugar en el plan de electrificación de la URSS completa. "Me dio luego un salvoconducto que me permitía viajar por toda la nación para dar mis conciertos, y me dijo que fuera a verlo si lo necesitaba para algo", recuerda Termen.
Termen viajó por toda la Unión Soviética dando conciertos con el termevox, y luego fue comisionado por el gobierno para mostrarlo en los países occidentales: Termen afrancesó su nombre ("Léon Thérémin" en lugar de Lev Termen) y pronto llegó a los EEUU, donde el nombre del instrumento pasó a ser el apellido galicizado de su creador: the theremin, que es como lo conocemos hoy.

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Afiche original de uno de los conciertos de Termen.
La obra se llama, adecuadamente, "Ondas Etéreas".

Termen continuó estableciendo nuevos proyectos de investigación y produciendo nuevas invenciones: él es el inventor y constructor del primer aparato de televisión, por ejemplo. Mas fue gracias al theremin que Termen pasó a la historia: múltiples personalidades se interesaron por las posibilidades (descubiertas por Termen) de la música electrónica, y también por sus bases físicas. El físico soviético se vio visitado por Albert Einstein, el cineasta Sergei Eisenstein, el ingeniero Robert Moog (creador del primer sintetizador, basándose en ideas previas de Termen) y muchos más.

El theremin se había vuelto inmortal.



Termen perfeccionó su instrumento de muchas maneras: construyó modelos que, en lugar de comandarse mediante el movimiento de las manos, "leían" microrreflejos en la superficie de los ojos y eran controlados por los movimientos oculares (de este modo, un cuadrapléjico podría ejecutar un theremin sin problemas e incluso convertirse en músico clásico profesional), una batería de cuatro theremines controlados por los movimientos del cuerpo de una compañía de ballet, con la cual la propia danza creaba la música y muchas mejoras más.

El funcionamiento del theremin es tan simple que parece una broma. Termen lo describe de la siguiente manera: "Se obtienen fácilmente sonidos de tono variable utilizando una corriente alterna de frecuencia también variable. Se coloca una pequeña varilla vertical a modo de antena, lo que genera ondas electromagnéticas de muy débil intensidad alrededor de la misma. Estas ondas tienen una longitud y una frecuencia definidas: la aproximación de una mano, que es un conductor eléctrico, altera la configuración del campo electromagnético que rodea a la antena, cambia su capacitancia y, por lo tanto, afecta la frecuencia de la corriente alterna generada en el instrumento. De esta manera, se produce una suerte de ´toque invisible´ en el espacio que circunda la antena, y, de la misma manera en que en un cello la presión de un dedo sobre la cuerda produce un sonido tanto más agudo cuanto más se acerca el dedo al puente, en el theremin el tono se incrementa cuanto más se acerca la mano a la antena. Del mismo modo, la intensidad del tono cambia al aproximar una mano a la otra antena, de forma circular, alrededor de la cual se forman ondas electromagnéticas siguiendo el mismo principio. La aproximación de una mano produce un cambio en la intensidad de la corriente alterna que produce el tono. Así, levantando la mano por encima de la antena horizontal en forma de anillo la nota crece en volumen, mientras que bajando la mano por debajo de ella se hace más débil, hasta morir en el medio del más suave pianissimo".

teremin

El sonido del theremin se produce según el principio del heterodino, con un oscilador de frecuencia variable superponiendo y afectando la oscilación de un oscilador de frecuencia fija (en realidad, la de aquél se resta de la de éste). La frecuencia resultante cae dentro del rango audible para el oído humano, y esto es lo que escuchamos a través de un parlante. La frecuencia del oscilador fijo es de 170 KHz y la del variable oscila entre 168 y 170 KHz. Ello deja frecuencias audibles de 0 a 2 KHz para ejecutar el instrumento.
El theremin fue mostrado al público en general en la Feria Industrial de Moscú de 1920 y, poco más tarde, se fabricaron 600 instrumentos por orden de Lenin, que, para esa época, ya estaba tomando clases de theremin con el propio Termen.
Termen obtuvo la patente de su invento en Estados Unidos en 1928, y la vendió a la RCA Victor para la fabricación en serie de su instrumento. En poco tiempo el theremin pasó a ser considerado un instrumento de uso familiar en todo el país, y aún objeto de composición académica y clásica. Muchos de esos compositores, sin embargo, sólo lo usaban para reemplazar a las cuerdas y no para explotar su soberbia capacidad de afinación microtonal y su precisión característica.
Actualmente, en forma transistorizada, el theremin es fabricado y vendido en serie por Big Briar, la compañía de Robert Moog.
El theremin es el primer instrumento musical electrónico del mundo, décadas antes de que a Moog se lo ocurriera fabricar un sintetizador resistivo. La precisión y justeza del theremin, sin embargo, requiere mucho esfuerzo del ejecutante: el cuerpo del thereminista debe estar perfectamente equilibrado frente al instrumento, su cabeza completamente inmóvil durante largos períodos, y su control neuromotriz de manos y brazos debe ser perfecto, ya que una ligerísima vibración o un cambio de posición involuntario de los miembros superiores alteran radicalmente el sonido del instrumento.
Así y todo, el theremin se ha utilizado y se utiliza mucho en bandas sonoras de notables filmes: desde la de "El día que paralizaron la Tierra", pasando por "Vinieron del espacio exterior" y "Días sin huella", hasta la de la soberbia "Cuéntame tu vida" de Hitchcock fueron ejecutadas con theremines.
Montañas y multitudes de grupos y bandas usan y han usado también theremines en sus discos: Gary Numan, Radiohead, Alice Cooper, los Rolling Stones, los Beach Boys, el japonés Kitaro (que compró el primer theremin Moog que salió de la línea de montaje), Blur, Marillion (en "Cannibal surf babe"), Cyndi Lauper, Simon & Garfunkel, Elvis Costello, King Crimson, los españoles La oreja de Van Gogh, Talking Heads, el mismísimo Led Zeppelin (en su tema "Whole lotta love"), Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Pink Floyd (en su disco "Meddle"), la notable brasileña Rita Lee, las Spice Girls (que abren todos sus conciertos con un theremin naranja fluo), Uriah Heep, el ya mencionado Jean-Michel Jarre y, cómo no, las excelentes bandas argentinas Los Súper Ratones (en su séptimo disco, "Mancha registrada"), y Babasónicos (incluso se ve el instrumento en el clip de su tema "¡Viva Satana!"). Los nombrados son una pequeña muestra de los 570 músicos, solistas y conjuntos que usan theremines en sus discos y recitales.

John Cheever

En una carta a George W Hunt, John Cheever cuenta que «se me ha diagnosticado Grand Mal o lo que solía conocerse como epilepsia. Cuando se me pregunta acerca del "aura" que precede a mis ataques creo vislumbrarla imagen de un obispo caminando por una playa en Nantucket bendiciéndome en un idioma que parece haber sido olvidado para siempre. Esto es lo último que recuerdo antes de proceder a morder la alfombra oriental de mi abuela y despertar, más tarde, en la sala de emergencias del hospital. No pienso que esto sea prueba de mi genio o de mi locura pero sí que tanto uno como otra son, a menudo, no deseados por mí. Aquí termina nuestra lección de hoy».

En 1971, en un apunte de sus Diarios, puede leerse: «Bebo ginebra y releo algunos de mis cuentos. Existe el peligro de repetirse. Mientras paseaba por el bosque, oí a un hombre que gritaba: "¡Amor! ¡Valor! ¡Compasión! ". De pie sobre una roca, gritaba los nombres de las virtudes sin tener a nadie que lo escuchara. Debía de estar loco. El problema es que esa escena la escribí hace diez años. Oh-ho».

«Una visión del mundo» es, seguro, la mejor de las muchas epifanías escritas por Cheever, uno de sus más grandes logros en la crítica de los ritos perversos de la vida moderna y de su entorno, y una demostración de la maestría desu técnica y de su prosa (lo que el escritor John Gardner definió como «esa voz de Cheever para escribir cantando») a la hora de sostener una trama compuesta íntegramente por sueños («Tengo sueños de una densidad que megustaría poder trasladar a mis ficciones», desea en sus Diarios) y percepciones del universo hasta construir una suerte de plegaria donde la lluvia (el agua) vuelve a presentarse como agente redentor. Otra vez –como en tantos cuentos del autor– aparece el motivo expulsión del paraíso/apocalipsis suburbano/revelación, pero me parece que ésta es la versión más lograda y definitiva y un cierre más que apropiado para esta antología. Aquí, más que en ninguna parte, se hace evidente el mandato que Cheever se impuso para su vida de escritor y que aparece con emocionante claridad en sus Diarios: «Escribir bien, con pasión, con menos inhibiciones, ser más cálido, más autocrítico, reconocer el poder de la lujuria tanto como su fuerza, escribir, amar. (...J No disimular nada ni ocultar nada, escribir sobre las cosas más cercanas a nuestro dolor, a nuestra felicidad, escribir sobre mi torpeza sexual, el sufrimiento de Tántalo, la magnitud de mi desaliento –creo entreverlo en sueños–, mi desesperación. Escribir sobre los necios sufrimientos de la angustia, la renovación de nuestras fuerzas cuando aquéllos pasan; escribir sobre la penosa búsqueda del yo, amenazado por un extraño en la oficina de correo, un rostro apenas entrevisto en la ventanilla de un tren; escribir sobre los continentes y las poblaciones de nuestros sueños, sobre el amor y la muerte, el bien y el mal, el fin del mundo.

Su primera publicación fue un cuento autobiográfico, titulado Expelled, al que escribió cuando lo expulsaron por fumar de la Thayer Academy, en Massachusetts, a los diecisiete años.
Sobre el final de Expelled leemos: “En el colegio, Estados Unidos es siempre hermoso. Es siempre la gema del océano y está muy mal que así sea. Está mal porque la gente se lo cree. Porque se vuelven indiferentes. Porque se casan y se reproducen y votan y no saben nada. Porque el periódico está siempre de buen humor y pasa el tiempo mirando al cielo raso para no ver la suciedad del suelo. Porque todo lo que ellos saben y conocen es lo que les dice el periódico siempre de buen humor”.

Cuento Chino

Había una vez un campesino chino sabio, que trabajaba la tierra duramente con su hijo.
Un día el hijo le dijo:
-¡Padre, qué desgracia! Se nos ha ido el caballo.
-¿Por qué le llamas desgracia? -
respondió el padre -
veremos lo que trae el tiempo...
A los pocos días el caballo regresó, acompañado de otro caballo.
-¡Padre, qué suerte! - exclamó esta vez el muchacho
-Nuestro caballo ha traído otro caballo.
-Por qué le llamas suerte? - repuso el padre - Veamos
qué nos trae el tiempo.
En unos cuantos días más, el muchacho quiso montar el caballo nuevo,y éste, no acostumbrado al jinete, se encabritó y lo arrojó al suelo.
El muchacho se quebró una pierna.
-¡Padre, qué desgracia! - exclamó ahora el muchacho.
¡Me he quebrado la pierna!
Y el padre, retomando su experiencia y sabiduría, sentenció:
-¿Por qué le llamas desgracia? Veamos lo que trae el tiempo!
El muchacho no se convencía, sino que gimoteaba en su cama. Pocos días después pasaron por la aldea los enviados del rey, buscando jóvenes para llevárselos a la guerra. Vinieron a la casa del anciano, pero como vieron al joven con su pierna entablillada, lo dejaron y siguieron de largo.
El joven comprendió entonces que nunca hay que dar ni la desgracia ni la fortuna como absolutas, sino que siempre hay que darle tiempo al tiempo, para ver si algo es malo o bueno.
La moraleja de este antiguo consejo chino es que la vida da tantas vueltas, y es tan paradójico su desarrollo, que lo malo se hace bueno,y lo bueno, malo.
Lo mejor es esperar siempre el día de mañana, porque todo sucede con un propósito positivo para nuestras vidas

La visión de la cadena árabe Al Jazera:
lo que va de Juan Pablo a Benedicto.

Reflexology charts

The Cheerful Insanity of Giles Giles 6 Fripp

imperdible link con data sobre los Giles & Mr. Firulete Fripp

Amon Duul

En 1967 aparece en Munich una comunidad nucleada alrededor de la música pero con actividad de orientación anarquista. El nombre de Amon Duul surge de la combinación de una deidad egipcia del Sol y de un personaje de ficción turca cuyo nombre deriva de la palabra Luna.. La tendencia musical giraba alrededor de la experimentación y la improvisación libre. Para 1968 parte de los miembros encaran otro proyecto al que denominaran Amon Duul II, conservando el otro núcleo el nombre aunque para diferenciarlo habitualmente se lo denomine Amon Duul 1. Este grupo primigenio produjo originariamente cuatro álbumes con la formación de Peter Leopold, Ullrich Leopold, Rainer Bauer, Ella Bauer, Uschi Obermaier, Helge Filanda y Angelica Filanda. Los tres primeros aparentemente son producidos en la misma sesión de grabación en 1968, inmediatamente luego de la separación: "Psychedelic Underground" (69), "Collapsing" (69) y Disaster (71) todos editados bajo el sello Metronome y Paradieswaerts Duul más orientado al folk rock y editado por Ohr en 1970. Decir que Amon Duul II es menos extravagante no debe hacernos pensar que estamos ante una banda convencional. Lejos de ello el otro proyecto se desarrolla en torno a una música de atmósfera alucinógena, casi siempre intensa y oscura. El primer álbum "Phallus Dei" (69), cantado en un dialecto germánico antiguo es uno de los momentos más interesantes del Krautrock, intensos cambios rítmicos, sonido sucio, pasajes oníricos, desconcertantes voces a veces operísticas, descarriados solos de guitarra, percusiones orientales complementan uno de los discos más oscuros de la historia de la psicodelia y del rock progresivo El tema que da nombre al álbum es un enloquecido viaje de más de 20 minutos. Intervienen Dieter Serfas en batería y cimbalos eléctricos Peter Leopold (de AD I) en batería, percusión, piano, Shrat en bongoes, voces, violín, Renate Knaup: voz, pandereta, John Weinzierl en guitarra, saxo, voz, Folk Rogner en teclados, Dave Anderson (de USA) en bajo, Holger Trulzch en tambores turcos y Christian Borchard: vibráfono. Para el vinilo doble "Yeti" (70) se suma quién será uno de los principales protagonistas de la banda, Chris Karrer en guitarra, violín y saxo más algunos invitados en diferentes instrumentos. El sonido se hace algo más limpio y orientado hacia lo progresivo, aunque permanecen todas las características del primer álbum. Probablemente más accesible nos es de ninguna manera convencional y cuenta con prolongadas sesiones de improvisación en donde se encuentra la pista de Saucerful of Secrets de Pink Floyd. En la misma línea editan "Tanz der Lemminge" (71) con Lothar Meid en lugar de Dave Anderson quien pasa a Hawkwind con quienes graba "In Search of Space" y luego forma un efímero grupo llamado Amon Din. Si bien se las arreglan para combinar los mismos elementos sin repetirse, se nota una mayor accesibilidad a su música y la revista británica Melody Maker dice de ellos que son la primera banda alemana que contribuye a la escena internacional (?). Posteriormente editan "Carnival in Babilon"(72) y sin Leopold "Wolf City" (73) En 1974 nuevamente con Leopold graban "Vive La Trance" en el que su música es mas asimilable al mainstream con una enorme elegancia instrumental aunque ya sin el clima anárquico de los momentos gloriosos. Hay pasajes muy interesantes como en "Im Krater Bluhm Wieder Die Baume" que aunque de estructura sencilla agrada por presentar la estructura tan típica del kraut de órgano y guitarra o en "Mozambique" donde nos muestran un poco de su caótica energía. el VCS3 es importante protagonista en muchos de los temas aportando un clima espacial Duran hasta 1979 y generan reencarnaciones como Amon Duul III durante una gira con Hawkwind en 1986 o Amon Duul UK en una unión con Robert Calvert, poeta de la sicodelia londinense en los 60s y colaborador años antes justamente con Hawkwind.

Ahora dicen que oír voces "es normal"

BBC Mundo Ciencia-Se creía que oír voces era el primer síntoma de una enfermedad mental, pero al parecer puede ser algo normal.
Eso es lo que cree un equipo de psicólogos británicos que además, dice esto es algo muy común entre la gente.
Una de cada 25 personas suele oír regularmente voces en la cabeza, revela el estudio llevado a cabo en la Universidad de Manchester, Inglaterra.
Se encontró además que muchos de los que escuchan estas voces no buscan ayuda porque éstas, dicen, tienen un impacto positivo en su vida.
Las voces en la cabeza son para mucha gente un signo de "consuelo e inspiración".
Pero tal como explica a BBC Ciencia el doctor Miguel Ángel Cherro de la Asociación Mundial de Psiquiatría Infantil y de Adolescentes, "el estigma asociado a la audición de voces, podría evitar que la gente que tiene esta experiencia busque ayuda".

Diversidad
Se sabe que mucha gente entre la población en general escucha voces, dicen los psicólogos. Pero estas personas nunca han sentido la necesidad de acudir a los servicios de salud mental.
Algunos expertos incluso creen que es mayor el número de gente que escucha voces y no busca ayuda psiquiátrica, que el número de gente que sí pide ayuda.
Quienes oyen voces lo describen como la experiencia de escuchar que alguien llama tu nombre y al voltear no hay nadie. La gente también suele sentir que las voces son como pensamientos que entran en tu mente desde fuera de ti mismo. No tienen idea de lo que esa voz podría decir, e incluso podrían sostener con ésta una conversación.
El equipo de Manchester desea investigar ahora por qué algunas personas ven sus voces positivamente mientras que para otras en una fuente de angustia.
Los investigadores creen que el escuchar voces en sí mismo no es la causa del problema.
Lo que es más importante, indican, es la forma como la gente interpreta estas voces. Los factores externos, como las experiencias y creencias de la persona, podrían tener una influencia en la forma como se perciben.

Contexto
os expertos creen que si una persona está tratando de superar un trauma o tiene una baja autoestima, o ve a los demás como seres agresivos, es más fácil que interpreten sus voces como hostiles y perjudiciales.
"No me extrañaría que la gente que tiene esta experiencia tenga un temor grande de ser tomado por loco o ser considerado un paciente psiquiátrico y por lo tanto es probable que lo oculte"
Dr. Miguel Ángel Cherro, siquiatra
Por el contrario, si una persona ha tenido experiencias más positivas en la vida y se ha formado creencias más sanas sobre sí misma y los demás, quizás tendrá una visión más positiva de sus voces.
Estudios en el pasado han demostrado que a menudo la gente que escucha voces ha sufrido una niñez traumática.
De cualquier forma, tal como señala el doctor Cherro, no existen suficientes estudios epidemiológicos para poder afirmar de manera consistente cuántas personas presentan esta situación. Además, el estigma también podría jugar un papel fundamental. Según el experto, "tradicionalmente se adscribe el tener la audición de voces como un signo característico de lo que se denomina delirio", agrega.
Esta, dice el experto, "es una creación de la imaginación que está despegada de la realidad". Pero es muy probable que haya personas que escuchen voces en términos de intercambio y de reflexión y esto no necesariamente significa un delirio.
"No me extrañaría que la gente que tiene esta experiencia tenga un temor grande de ser tomado por loco o ser considerado un paciente psiquiátrico y por lo tanto es probable que lo oculte", señala.
Es por eso que según el experto, "son necesarias más investigaciones donde la gente verdaderamente responda si existe o no la presencia de voces en su vida diaria".

Jazz, drogas y trastornos mentales

Muchos de los más grandes músicos de jazz han visto sus vidas afectadas por enfermedades mentales o abuso de drogas y alcohol, según un estudio de un psicólogo británico.
" Yo no trato de decir que todos los músicos de jazz están locos, pero lo que hago es destacar una tendencia a problemas mentales que es comparable con otras personas creativas "
Geoffrey Wills, psicólogo británico
Pero esta conclusión no es la única de la investigación de Geoffrey Wills, un psicólogo de la localidad de Stockport, quien buceó en las biografías de 40 músicos famosos.
Para Wills, la creatividad de grandes maestros como Miles Davis puede ir de la mano con una alta probabilidad de sufrir problemas mentales.
En su investigación, centrada en la "era dorada" del jazz moderno estadounidense -entre 1945 y 1960-, el psicólogo destaca que hay una tasa desproporcionada de suicidios entre los 40 músicos estudiados.
Además, 6 habían sufrido algún tipo de abuso y 4 tenían familiares con historias de desórdenes psiquiátricos.
Por ejemplo, los padres del saxofonista Art Pepper sufrían de problemas vinculados con el alcohol, mientras que la madre de Stan Getz padecía depresión.

Problemas graves
En la lista de "anomalías", Wills cita los casos del pianista Bud Powell, admitido en varias ocasiones en hospitales psiquiátricos y diagnosticado con esquizofrenia.
De Miles Davis se decía que sufría paranoia y alucinaciones.
Art Pepper padecía de una compulsión obsesiva por lavarse las manos y tenía fobia a ver sangre y a atender el teléfono.
"Yo no trato de decir que todos los músicos de jazz están locos -aclaró el psicólogo británico- pero lo que hago es destacar una tendencia a problemas mentales que es comparable con otras personas creativas".

Drogas también
La adicción a las drogas es otro de los elementos comunes entre estos genios del jazz. Según Wills, más de la mitad de los 40 músicos fueron descritos en algún momento de sus vidas como adictos a la heroína.
Pero el psicólogo agregó que esta droga era muy común entre los músicos de jazz en un momento de la historia en que la heroína estaba esparcida por la mayoría de los vecindarios negros.
"El jazz moderno fue una música revolucionaria que fue rechazada por el público en general, y la heroína, como esta música, era desafiantemente anti-establishment. Pero la cocaína también era común entre músicos como Miles Davis, Art Pepper y Bill Evans.
Y de los 40 músicos estudiados, 11 sufrían una fuerte dependencia del alcohol.

Este es el programa del curso Historia del Rock en Artilaria
1. Los orígenes del rock. El blues rural y urbano. Robert Johnson a Muddy Waters. Del Delta del Mississippi a Chicago. El rhythm and blues de los 40 y 50. El country: rockabilly y proto-rock. La escena de New Orleans. Fats Domino, Lloyd Price. El rock “fino” de Bill Halley. El sello Sun y Elvis Presley. La avanzada de Specialty y Chess: Little Richards, Chuck Berry. Jerry Lee Lewis y Carl Perkins. Los grupos de Doo-wop. El pop de la época: Buddy Holly, the Everly Brothers. Los “renegados” Eddie Cochran, Gene Vincent, Larry Williams. El final del principio: los cantantes con Brylcreem: Bobby Vee, Fabian y los cantautores pop: Paul Anka, Neil Sedaka. 2. La generación de Los Beatles y el Merseybeat. El rhythm and blues inglés: Alexis Korner, Graham Bond, John Mayall, Animals, Yardbirds, Spencer Davis Group. Rolling Stones, Pretty Things. Mods y rockers. The Kinks, The Who, Small Faces. La segunda ola de Blues Blanco inglés: Cream, Jeff Beck Group, Led Zeppelin, Ten Years After, Fleetwood Mac, Savoy Brown, Chicken Shack, Free-Bad Company, Humble Pie, Keef Hartley Band. 3. USA en los 60. El folk de Bob Dylan, Joan Baez, Peter Paul & Mary. El surf-rock de California: Beach Boys, Jan & Dean. El folk-rock de los Byrds, Simon & Garfunkel. Los grupos de Garage psicodélico. Electric Prunes, Chocolate Watch Band. La nueva generación folk-rock: Buffalo Springfield, Crosby, Stills, Nash, Neil Young, Poco, The Eagles. Los solistas sensibles: James Taylor, Carly Simon, Jackson Browne. 4. El rock psicodélico-politizado de la Costa Oeste: Jefferson Airplane, Grateful Dead, Quicksilver Messenger Service. Country Joe & the Fish. Festival de Monterey. Los “fuera de serie”: Frank Zappa, Jimi Hendrix. Los artistas de la gente: Creedence Clearwater Revival, Grand Funk Railroad. Woodstock. The Band y el nuevo folk. Rock sureño: Allman Bros., Lynyrd Skynyrd La conexión funk: Sly & Family Stone. Janis Joplin, etc.

5. La psicodelia inglesa. Pink Floyd con Syd Barrett, Procol Harum, Traffic, The Nice. Sgt. Peppers y sus ecos. Los Stones de Satanic Majesties. Tomorrow, Creation, The Herd. El folk y las fusiones. Incredible String Band, Nick Drake, Fairport Convention y Richard Thompson, Steelye Span.

6. El rock progresivo británico: Moody Blues, Jethro Tull, Yes, King Crimson, Genesis, Gentle Giant, Emerson Lake & Palmer, Camel, Atomic Rooster. La Escena de Canterbury: Soft Machine, Caravan, Henry Cow.

El heavy-metal en UK: Black Sabbath, Deep Purple, Judas Priest, Whitesnake, Iron Maiden, Def Leppard. 7. El glam-rock. David Bowie, Marc Bolan, The Sweet, Gary Glitter, Roxy Music, Brian Eno, Queen. En USA, el rock teatral de Alice Cooper, el hard- glam de Kiss. Antecedentes del punk en UK: el pub-rock de Dr. Feelgood, Brinsley Schwarz, Antecedentes del punk en USA: Velvet Underground, Iggy Pop y The Stooges, New York Dolls, Lou Reed solista. 8. El punk y la new wave inglesa. Sex Pistols, Clash, Jam, Damned, Siouxsie & The Banshees, Buzzcocks, Magazine, XTC, Wire, etc. El punk neoyorquino. Patti Smith, Television, Ramones, Talking Heads, Blondie, Richard Hell & Voidoids. Punk de la Costa Oeste: Black Flag, Dead Kennedys. El pop de Boston. Experiencias neo experimentales: Pere Ubu. El reggae de Bob Marley Burning Spear, etc. El boom del ska: Madness, The Specials, The Selecter, English Beat. 9. El tecno-pop de los 80. OMD, Depeche Mode, Erasure, Visage, Soft Cell. Eurythmics. Madchester: Stone Roses, Happy Mondays, Inspiral Carpets. El oceanic rock de 4AD: Cocteau Twins, This Mortal Coil, Dead Can Dance, The Wolfgang Press. La movida gótica: Cure, Bauhaus, The Mission, etc. El rock confesional de The Smiths. El pop feminista de Madonna y el funk total de Prince. 10. El noise-rock de New England: Pixies, Sonic Youth, Dinosaur Jr., Band of Susans. Los hijos de los Byrds: R.E.M. y el nuevo rock americano: desde Giant Sand a Dream Syndicate. El grunge en USA: El sello Sub-pop: Nirvana, Mudhoney, Soundgarden. Pearl Jam. Las fusiones contemporáneas. El pos rock de Chicago: Tortoise, Gastr del Sol. Nociones de rap 11. Los 90. El pop del Valle del Támesis en UK: Ride, Chapterhouse, Slowdive. El sello Creation: My Bloody Valentine y sus hijos. El Brit-pop: Oasis, Pulp, Blur, Elastica, etc. Las mezclas étnicas: Natacha Atlas, Cornershop, Regular Fries. Quiet is the New Loud: Elbow, Badly Drawn Boy. Los nuevos chicos “sensibles” : Radiohead, Travis, Coldplay, Starsailor, Muse, Doves. En USA: El rap metal de Limp Bizkit y sus hijos contemporáneos.

12. Sellos grabadores históricos. Desde Vocalion hasta Creation, pasando por Sun, Chess, Specialty, Tamla Motown, Atlantic, Harvest, Virgin, Island, 4AD, Beggars Banquet, Creation, etc. El rol de la industria discográfica. Técnicas de márketing. Formatos de los discos. El concepto de coleccionista.

MC5 - Kick Out The Jams

While the Rolling Stones were perhaps the first rock band to merge rock & roll with tales of violent revolution (i.e. their classic “Street Fighting Man”), no one did it as convincingly and as whole-heartedly as Detroit’s MC5. Managed by the notorious White Panther Party member John Sinclair, the MC5 rocked with a vengeance that was unparalleled at the time–the band was rewarded years later by being heralded as punk rock originators. Few have been able to top the ferocious intensity of their classic debut, 1969’s in-concert ‘Kick Out The Jams’. Although the album fared well on the charts, it was surrounded in controversy from the get-go; the record company wanted the group to edit out a vulgarity included in the introduction to the title track. The friction would lead to the band parting ways from the company soon after, but all the hoopla could not take away from the stellar quality of ‘Kick Out The Jams’. Be prepared to be blown away by such songs as “Rocket Reducer No. 62,” “Borderline,” “Starship,” and the title track, to name but a few. ‘Kick Out The Jams’ is the undisputed Holy Grail for fans of blaring, high-energy rock.


1. Ramblin’ Rose
2. Kick Out The Jams
3. Come Together
4. Rocket Reducer No. 62 (Rama Lama Fa Fa Fa)
5. Borderline
6. Motor City Is Burning
7. I Want You Right Now
8. Starship

Tres perros lucen disfraces del Papa, un cardenal y un arzobispo, creados por el diseñador alemán Hildegard Bergbauer.
Benedicto XVI participa de un viaje de seis días a su Baviera natal, en el sur de Alemania.

DROP TRIO

¡Qué buena que está
esta banda!!!
Y tienen blog: www.droptrio.com/blog

Podeticas

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Falso Crup -y la puta madre que te remil parió

Los niños poseen una laringe de diámetro muy angosto, por lo que cualquier proceso inflamatorio que se instale en esta zona es capaz de provocar una obstrucción. Este es el caso de una enfermedad llamada falso crup o laringitis subglótica, que suele tener origen viral, aunque también puede reconocer una etiología alérgica o psicosomática. Cuando se produce esta inflamación por debajo de las cuerdas vocales, suele desencadenarse un edema, y con él una obstrucción respiratoria, generalmente proporcional al edema provocado.

Quien sufre este problema, comienza a padecer por la noche una tos perruna, aunque sin dificultades para respirar. Pero a medida que aumenta la obstrucción, disminuye el chorro de aire emisor, lo que hace que cambie la potencia de su voz.

En estos casos, lo que se debe hacer es realizar la fluidificación de las vías aéres con el clásico baño de vapor, o con nebulizaciones ya que mejorará de forma inmediata. Si el cuadro no puede controlarse rápidamente, se deberá llamar a un especialista o llevar al niño a una guardia para que se le apliquen corticoides por vía oral o inyectable (según la intensidad del edema), y así hacer bajar inmediatamente la inflamación.

Otra característica de este cuadro es que suele ser recidivante, por lo que se aconseja a los padres tener siempre en su hogar un corticoide recetado por el especialista, para poder contrarrestar la obstrucción apenas aparezca. Cabe destacar que este cuadro suele presentarse entre los seis meses y los seis años de vida, aunque es más común entre los dos y cuatro años.

Beatles Royal Mail

Seis nuevos sellos postales aparecerán próximamente en Gran Bretaña. Incluyen las imágenes de algunas de las portadas de los discos más populares de la banda de Liverpool. Conozca la colección Los seis nuevos sellos postales, impresos por el Royal Mail, incluyen imágenes con algunas de las portadas de álbumes más populares del cuarteto de Liverpool John, Paul, George y Ringo, según destacó la agencia internacional Ansa.
La colección, que saldrá a la venta en enero próximo, contará con la tapa de los álbumes "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band", "Abbey Road", "Revolver", "Let It Be" y "With The Beatles".
Por su parte, un portavoz de Royal Mail, declaró que las estampillas especiales dedicadas a los Beatles "prometen ser un gran éxito entre los fans y seguidores de la banda", una vez puestas a la venta en enero de 2007.

"Royal Mail ha elegido ilustrar la nueva serie de sellos postales con las tapas de álbumes de los Beatles para conmemorar a la banda británica que ha engrandecido a la cultura popular del mundo", agregó.

Encontré esta pagina güeb buscando "cronicas terrestres".Link
Sobre Zacharias Sitchin y su libro "El planeta No. 12"
Lo que me llamó la atención es que lo traducen como "El duodecimo planeta", y me parece que al llamarlo así pierde gracia y misterio. También lo vi traducido como "El doceavo planeta", que sería casi preferible a "duodecimo".
Bah, qué sé yo.

Yoshiaki Masuo

I was talking with an acquaintance in the record business the other day, and he jokingly said that because I hadn't been visible on the jazz scene for quite a while, some people might think I was in jail or something. We started laughing, but it made me realize just how long it's been. So since this is my first album to come out in the U. S. , I thought it would be a good idea to to re-introduce myself.

I was born soon after World War II and grew up in Tokyo. My father was a band leader and pianist, one of the first to start playing jazz in Japan, so I grew up surrounded by jazz music. It was a unique environment for a Japanese boy and I feel very fortunate to have experienced it.

I fell in love with the work of Wes Montgomery soon after picking up my first guitar. I started playing on my own and never had any formal training. While I was in college in 1968, I was asked to join alto saxophonist Sadao Watanabe's group. It was an unbelievable thing for me because Sadao was (and still is) an incomparable figure in Japan's jazz world. That was an exciting time in the music world when lots of different types of music were merging with jazz. Sadao played everything from rock to Brazilian to pop. From that point on I was thrown into a world of clubs, concerts, radio, and TV.

Sadao's group became enormously popular in Japan, making me the number one guitarist in the Swing Journal magazine reader's poll for the next few years. When the group went on its first tour outside Japan, playing at the Montreux and Newport jazz festivals in 1970, it was a turning point for me, and led to my coming to New York City after Sadao's band broke up.

In 1973 I got the biggest break of my life when I joined Sonny Rollins' band and played with him for the next three years. Playing with Sonny and Bob Cranshaw on bass was a dream come true, and each and every night was a priceless lesson. They introduced me to a world I never even knew existed, I was so lucky to have the chance to associate with such a jazz giant. This was definitely one of the high points of my career. I learned a lot about playing jazz and it has had a lasting influence on me.

At the end of the 70s, I formed my own electric fusion band which became quite popular in Japan. I explored the electric guitar during this period. The band made a mark over the next few years, with a successful series of six albums, and tours of both Japan and the U. S. , one of them with keyboard wizard Jan Hammer as special guest.

After another three years with Sonny's group in the mid 80s, I had the opportunity to acquire my own recording studio in Soho in NYC, and started to get involved in recording and production. I formed the JazzCity label for a Japanese record company and started to produce a series of CDs of up and coming NYC based jazz musicians. It was never my intention to be a producer, but this became my main work for the next 10 years and my career as a musician was put on hold.

Producing was a learning experience for me. Aside from the technical aspects of production, it also helped me understand how things work outside the musical world of my own head. But the further I got into production, the more I realized that I really missed being a musician and creating my own music. I wasn't happy.

These past few years I've been trying to get back to playing, but it was difficult getting off the ground. I felt like I was starting from square one. Fortunately, in the middle of this struggle the JazzCity series came to an end and I was able to put all my efforts into my own career again.

I began to feel inspired to do an album, a simple jazz album using an organ trio. I wanted to prove to myself that I was really a jazz musician - something I felt I hadn't proven yet. I'm interested in many kinds of music, not just jazz; but in the end, being a jazz musician is what defines me and what I am most proud of.

One of the reasons I wanted to do an album with an organ trio was because I wanted to play with Larry Goldings. When I was still producing, he turned up as one of the sidemen on a recording I was doing. I'd known him before, but at that time I heard and saw a side of him I hadn't noticed earlier. Although a young man, his depth and warm, spirited musical quality delighted me. At that time I decided that if I did use organ, I would ask Larry to play.

Actually, I have very special memories of the Hammond organ. When I was a child, we had a Hammond along with the piano in our living room. When I first heard that organ, I was awed by its impressive sound. I would hear my father playing it when he held his band's rehearsals at our house and I can remember the sounds of Jimmy Smith's Blue Note records wafting from the house as I played out in the yard. For me, the sound of the organ is like home cooking.

Another high point of my career as a musician was in 1976 and 1977, when I played with organist Larry Young and Joe Chambers, a great drummer. I used to listen to Grant Green's albums with Larry Young on organ when I was in Japan, so when I got the chance to play with him I was ecstatic. In that way, I've had a connection with the organ for many years and I always had the dream of making an organ trio album.

For me or any other jazz guitarist, to attempt to do an organ trio album is quite a challenge because we can't avoid comparing ourselves to musicians like Wes Montgomery, Grant Green, George Benson, and John McLauglin who have already done organ trio albums so well. Their albums are classics and if you're not careful, you can easily end up with something that sounds like one of them. So it was important for me to create an organ trio sound of my own.

For the drummer on this album I had Elvin Jones in mind. The first recording I did after coming to New York was with Elvin's band, and I also did a tour of Europe with his band in the 70s, an unforgettable experience. His drumming has always amazed me. But he was unable to do this album, so I looked for someone whose playing was wild, but tasty and sensitive like Elvin's; Lenny White popped into my head.

I knew Lenny when I first came to live in New York City in 1971 and, although I hadn't seen him in a long time, I gave him a call. Lenny is probably known these days primarily as a fusion drummer, but the Lenny I had in mind, was the "pre Chick Corea/Return to Forever" Lenny. I had a feeling he would be right for this album. When I talked to him over the phone, he said he'd heard some of Larry's playing and liked the idea of the organ trio, so he was in.

So I wrote a lot of tunes with an organ trio in mind. Although it wasn't a conscious choice, now, as I listen to each tune, I can point out the influences that inspired them: John Coltrane, Clifford Brown, Miles Davis, Milt Jackson, Horace Silver, Thelonious Monk, and of course, Sonny.

Lenny was pretty busy and the three of us couldn't rehearse together before the recording, so Larry and I got together and went over the tunes. I made simple head arrangements for the recording, setting only the important points, and left the rest open. I felt comfortable as soon as we started playing, and probably because we were all playing together for the first time, everything felt fresh and exciting. As I had expected, Lenny is indeed a great jazz drummer.

After the recording, I let some time go by before I listened to the tape and chose the tunes that I liked. Some of the tunes felt incomplete with only the trio, so for those I experimented with things like percussion, synthesizers, and flute and horn arrangements.

When the time came to mix the album, it had already been a year since we'd recorded it. I'd spent so much time with it at this point, that I felt I didn't want to leave this next step to anyone else, so even though it was torture, I mixed the whole thing myself.

When I finished it I asked myself, "Are you happy now? " and although by this time I was tired of the whole thing, I thought about it for a while and answered, "Yes. . . I think I'm happy now".

So here it is. I hope you enjoy it.

Yoshiaki Masuo

New York City, July 1999

STEPS AHEAD

Formed originally by vibe player Mike Mainieri as an all-star group to tour Japan, Steps Ahead became the most interesting fusion group of the eighties. Originally called Steps, the core personnel consisted of Mike Mainieri, Michael Brecker and Eddie Gomez. They never were a collection of soloists content to engage in routine sessions but a group of seasoned veterans joining together to make music and its members listened, reacted to, and supported each other with a sophisticated and powerful balance combining synthesized vibes, EWI (Vitoria fans soon called it “atomic chistu”) and electric bass with tenor sax and piano.

Steps Ahead generated a lot of interest at a time when jazz was struggling more than ever to find a big audience. In 1984 they have made a spectacular debut in Spain at the Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz where the performed again following year. And now, twenty years later, the band has been re-formed with some of its most important elements, achieving a dream lineup: Michael Brecker (tenor sax), Mike Mainieri (vibes), Mike Stern (guitar), Richard Bona (bass) and Steve Smith (drums).

Cómo insultar en extranjero

Dice una maldición yiddish: ¡Que pierdas todos los dientes menos uno, y que éste te duela!
breve guía práctica para tener a mano sobre algo que nunca se sabe cuando se va a necesitar, aunque casi seguro que se va a necesitar: "cómo insultar rápidamente en extranjero".

Los holandeses tienen una extraña costumbre de hacerlo (y, por lo tanto seguro que también le molestará que se lo digan): sugiriendo enfermedades. Hay que intentarlo con kankerleir ("portador de cáncer") o teringleir ("tuberculoso"). No falla.

Lo peor que se le puede decir a un irlandés: mallcht Chromaill ort ("que la maldición de Cromwell caiga sobre ti") mientras que si le dices a un francés chameau le estarás llamando "mal bicho" en toda su cara.

Pero si hay algo que moleste a todos los europeos en general es que les llamen calzonazos, dando a entender que el susodicho está dominado por su señora (algo que -tanta igualdad, tanta igualdad- no ocurre al contrario) mediante sutiles palabras según el idioma: pussywhipped (literalmente "azotado por el chocho") en inglés, o under toflen ("bajo las zapatillas") en danés.

Otra cosa que parece molestar a casi todos los habitantes de Europa es que los llamen "tacaños". Casi todos los idiomas tienen su palabra: pisse-vinaigre ("mea vinagre") o fedre rov ("culo empalagoso") en Dinamarca, pidocchio rifatto ("piojo rehecho") en Italia o ha izisi in isatacca ("tiene erizos de mar en los bolsillos)" en Córcega.

La lista es extensa, pero teniendo en cuenta que en la mayoría de los casos uno no va a pretender mantener conversación con el interlocutor y que lo más normal (o lo más conveniente) será pronunciar la que corresponda mientras sale corriendo, conocer una por idioma pueden ser suficientes.

Historias de Fantasmas

1. Taylor el diácono
Pertenecí a la Iglesia
Y al partido que aboga por prohibir el alcohol.
En el pueblo suponen
Que morí por comer sandías,
La verdad es muy distinta:
Me mató la cirrosis.
Tarde a tarde, por espacio de unos treinta años,
Me deslicé al interior de la botica de Trainor
Y me serví una dosis generosa
De un frasco que llevaba la etiqueta
Spiritus Fromenti. *

*Alcohol puro de trigo fermentado.


2. Elsa Wertman
Yo era una campesina que emigró de Alemania,
Robusta, alegre, sonrosada, de ojos azules.
Fui sirvienta en la casa de Thomas Greene.
Un día de verano, cuando no estaba su mujer,
Greene entró en la cocina, me abrazó
Y me besó en el cuello.
Intenté rechazarlo
Pero después ninguno de los dos
Pareció darse cuenta de lo que hacía.
Y lloré por lo que iba a ser de mí
Y continué llorando
Al ver que mi secreto era notorio.
La señora Greene me dijo que estaba al tanto
Pero no haría nada en mi contra.
Mujer estéril,
Se hallaba bien dispuesta a la adopción.
(Su esposo le obsequió una granja para aquietarla.)
Se recluyó en su cuarto
Y difundió rumores de embarazo
Y todo salió bien y nació el niño.
Conmigo se portaron muy amables.
Más tarde me casé con Gus Werthman
Y pasaron los años.
Pero en los mítines políticos,
Cuando aquellos sentados junto a mí
Pensaban que la elocuencia de Hamilton Greene
Me hacía derramar lágrimas,
Erraban por completo:
¡No! Yo quería gritarles:
¡Es mi hijo, es mi hijo!


3. Hamilton Greene
Fui hijo único
De Frances Harris, de Virginia,
Y Thomas Greene, de Kentucky,
Ambos de honrado e impecable linaje.
A ellos les debo cuanto llegué a ser:
Juez, representante en el Congreso, líder político.
De mi madre heredé la vivacidad,
El talento, el don de la palabra;
De mi padre, la voluntad, la lógica, el buen juicio.
Reciban ellos todos los honores
Por los servicios que presté en mi pueblo.


4. Theodore el poeta
De niño te pasabas horas y horas
Sentado en la ribera del Spoon turbio.
Los ojos fijos en la entrada de la guarida,
Esperando que el cangrejo de río
Saliera y se arrastrara por la orilla arenosa.
Veías primero sus antenas trémulas,
Briznas de paja al viento.
Luego su cuerpo de color de greda,
Adornado por ojos negro-azabache.
Como en trance te preguntabas:
Qué sabe, qué desea, para qué vive el cangrejo.
Más tarde dirigiste la mirada
Hacia hombres y mujeres
Ocultos del destino en sus guaridas
De las grandes ciudades
Y esperaste que salieran sus almas
Para ver cómo
Y con qué objeto viven
Y para qué se arrastran con tanto afán
Por la orilla arenosa en la que falta el agua
Cuando termina el verano.

Spoon River Anthology- E. Lee Masters

Descubren que la "Telepatía Telefónica" existe

(Periodismo.com) - Un científico británico asegura la existencia de la "Telepatía Telefónica", es decir, la sensación de saber el nombre de quien llama por teléfono antes de antenderlo.

El parapsicólogo y biólogo inglés Rupert Sheldrake, de la Universidad de Cambridge, Reino Unido, estudió a 63 personas, de las cuales el 45% adivinó qué persona llamaba entre cuatro alternativas posibles.

El científico asegura que no es sólo coincidencia, pues al repetir el procedimiento cientos de veces la posibilidad de que ocurra es de "mil millones a una". Además, esto abona la idea de que una percepción sensorial extra trabaja mejor entre individuos enlazados emocionalmente.

Premios Darwin: requisitos

Wendy Northcutt es bióloga molecular de la Universidad de Standford, y mantiene desde hace años un sitio llamado The Darwin Awards que otorga los Premios Darwin. Los premios Darwin, según sus propias palabras, "premian a los individuos que protegen nuestro patrimonio genético a través del sacrificio máximo: eliminándose a sí mismos de modos extraordinariamente idiotas, mejorando por lo tanto las posibilidades de la raza humana para sobrevivir a largo plazo. Para decirlo más claro: son cuentos morales acerca de gente que se ha matado a sí misma de las maneras más estúpidas, y, al hacerlo, han mejorado significativamente el patrimonio genético, eliminando sus propios genes del proceso evolutivo".


Charles Darwin y un ganador del premio que lleva su nombre

Autora de varios libros y webmaster de su propio sitio, Northcutt lo encabeza con una cita de Einstein que reza: "Hay solo dos cosas que son infinitas: el universo y la estupidez humana. Aunque del universo no estoy tan seguro".

La teoría de la evolución de Darwin postula que solo los mejores genes son transmitidos a la siguiente generación. Por cierto que los de la estupidez no debieran estar entre ellos. Es por ello que nuestra heroína ha establecido estos reconocimientos (casi siempre póstumos) a aquellos que, siendo estúpidos como lo eran, han evitado, al matarse a sí mismos, que sus genes defectuosos lleguen a nuestros hijos o nietos. ¿Humor negro? De ningún modo. Hay un peñasco frente a un precipicio en cierto sitio, preferido por los suicidas que suelen saltar de él. Allí puede verse un grafitti que dice: "Aquí se ve la evolución en acción". Es cierto. Los Premios Darwin están allí, según la doctora Northcutt, para que veamos las fuerzas de la evolución en acción, en vivo y en directo, seleccionando a individuos de nuestra especie para mejorar y mejorarnos. Aunque muchos crean que reírse de un tipo que muere jugando a la ruleta rusa con una mina terrestre está mal o es inmoral, todos convendremos en que una persona que procede de tal modo no tiene en realidad ninguna posibilidad de llegar a vieja, y que lo interesante es la forma en que decidió probar si podía irse al cielo prematuramente.

Como sea, nos agrade o no, los Premios Darwin existen y se entregan desde 1993, casi siempre, como hemos dicho, en forma póstuma. ¿Por qué casi siempre? Pues porque no todos los ganadores se han muerto: algunos simplemente se han castrado. Hasta que no se perfeccione la clonación humana, el que se ha castrado a sí mismo se hace acreedor de un Premio Darwin, siempre y cuando no tenga semen congelado en alguna parte.



Lo cual nos lleva a las normas de los premios. ¿Quién es elegible para ganar un Premio Darwin y mediante qué clase de actos?

Las normas que determinan que un Premio Darwin sea válido son cinco:

1) Reproducción: El candidato debe terminar su experiencia muerto, estéril o incapaz de reproducirse de cualquier modo. Si alguien sobrevive a un acto increíblemente estúpido y permanece en capacidad de reproducirse, la Teoría de la Evolución nos dice que sus genes deben tener algún valor o capacidad oculta que les autoriza a sobrevivir. Así que si alguien juega a la ruleta rusa con una pistola (y no con un revólver) y sobrevive con su pene y sus testículos intactos, sus genes, capaces de sobrevivir a semejante inmbecilidad, tienen una voluntad de vida tan indomable que excluyen de factoal candidato, que no merece, entonces, un Premio Darwin.

2) Excelencia:El candidato debe haber manifestado una inconcebible incapacidad de juicio. No se trata de estupideces comunes, como quedarse dormido con un cigarrillo encendido. Hablamos de estupideces de alto vuelo, idioteces de marca mayor, como la de un ganador del premio que intentó reparar la instalación eléctrica del hidromasaje del jardín en una noche de tormentas eléctricas... El lector imaginará el resultado de la prueba.

3) Autoselección natural:El candidato debe ser causante de su propia muerte. Con esta exigencia, el Premio Darwin intenta desalentar a aquellos que, con un acto sublimemente imbécil, asesinan a otros inocentes, aunque sean sus propios parientes y lleven, por lo tanto, sus mismos genes. El que atropella a alguien por manejar borracho no merece de ningún modo un Premio Darwin, ni tampoco su víctima, porque ella solo ha tenido mala suerte. Para dar un ejemplo: en los Encierros de San Fermín muere gente. Si usted se muere porque un toro lo atropella accidentalmente y no estaba participando del juego, usted es víctima de un accidente: tuvo mala suerte. Ahora, si usted muere en Bilbao, despachurrado por un toro furioso, mientras estaba usted montado desnudo en un carrito de supermercado conducido por un amigo borracho que azuzaba a los toros —como ha sucedido en la realidad—, entonces usted sí se gana un Premio Darwin. Aunque no lo crea, tal episodio es cierto.
4) Capacidad de juicio: El candidato debe ser capaz de un juicio maduro y preciso.Esto excluye, como es natural, a los niños, a los enfermos mentales y a aquellos cuya inteligencia ha demostrado sufrir un proceso patológico o padecer algún retraso mental. Para ser claros: el feliz poseedor de un Premio Darwin debe ser una persona normal, que ha llevado a cabo una acción que cualquier adolescente de inteligencia promedio hubiera sido capaz de evitar por sentido común. Con respecto a los niños, sus faltas de sentido común siempre son imputables a sus padres, responsables de enseñarles, prepararlos para evitar el peligro y ayudarlos a proceder como seres humanos normales.

5) Veracidad: El evento en cuestión debe poder ser comprobado. Esta verdad de Perogrullo es esencial: los hechos merecedores de un Premio Darwin tiene que estar probados. Esto puede hacerse mediante periodistas de medios serios, policía, poder judicial o declaraciones de testigos presenciales.

Cualquiera que cumpla con las cinco condiciones (y sólo entonces) se hará acreedor al Premio Darwin. Link

Cambio climatico

Por culpa del calentamiento global, los esquimales debieron recurrir al aire acondicionadoLink

Billy SHEEHAN, John NOVELLO y Dennis CHAMBERS son NIACIN.

Una de las características de este súper trío (teclados, bajo, batería) es el deseo de rescatar el sonido clásico que ELP supo extraer del Hammond B-3 (la portada de su primer álbum es una fotografía del legendario órgano), pero no por ello circundar su música en torno a éste. A pesar de esta extraña premisa, la verdad es que la música de NIACIN ha sido bastante peculiar y ha marcado una tradición que inicia con "Niacin" (1996), y continúa con "High Bias" (1998), "Live - Blood Sweat and Beers" (2000), "Deep" (2000) y "Time Crunch" (2001), hasta llegar a su más reciente realización "Organik" (2005). Billy SHEEHAN es un acróbata del bajo que ha tocado junto a artistas como TALAS, David LEE ROTH y Mr. BIG; Dennis CHAMBERS, con sus raíces jazz y funk, es un baterista impresionante que ha grabado varios álbumes y se ha destacado junto a artistas como Chick COREA, STEELY DAN y James BROWN; John NOVELLO es el salvaje que sustrae la líneas poderosas del sonido progresivo del B-3, ocupándose además de la guitarra y las vocales. Un grupo poderoso, con una propuesta progresiva y llena de energía metálica.

NIACIN 3W: http://www.niacinb3.com/

Tú:

En los malos tiempos
sólo hablan los inteligentes.
Dicen: aquí pueden
salvarse unos pocos.

En los malos tiempos
sólo cantan los tontos.
Cantan así: es hermoso
que la hierba sea verde.

Yo no canto.
Yo no hablo.
Los sabios callan
en los malos tiempos

Yo:

En los malos tiempos
yo no soy sabio.
Canto y hablo
de los malos tiempos.

its only rock and roll

Rock and roll era, originariamente, un término náutico que servía para expresar los movimientos y balanceos de las embarcaciones. Posteriormente el término empezó a ser utilizado en la música espiritual negra, el gospel, con un significado bien distinto al que acabaría teniendo. Los cantantes de gospel utilizaban esta expresión para referirse al estremecimiento que experimentaban sus almas al comunicarse con Jesús. Frases como ''Rock me Jesus'' o ''Rock me Lord'' eran habituales en sus cánticos.

No fue hasta 1947 que el término se utilizó de otra manera. Roy Brown, estrenó en ese año un tema que se denominaba ''Good rocking tonight'', aludiendo irónicamente al movimiento que provocaba el ritmo de la canción, es decir, al baile.

Pronto se amplió el significado hasta abarcar alusiones sexuales que encajaban perfectamente con los nuevos ritmos que estaban surgiendo en los Estados Unidos. De hecho, las comunidades marginales negras utilizaban desde los años 20 esta expresión para referirse al acto sexual, de manera que el término parecía adecuarse a la perfección a esta nueva cultura subterránea y provocadora que surgió en torno a esta música.

Los orígenes

El rock and roll nace del encuentro de dos culturas hasta ese momento antagonistas: la cultura negra, marginal y divertida, y la anglosajona, blanca y bienpensante. Los esclavos negros habían traído en su largo periplo desde África todo un inventario de ritmos propios que explotaban en sus arrabales. El blues, las canciones tristes que entonaban en su duro trabajo en las plantaciones, comenzó a desarrollarse como una música genuinamente americana (hoy diríamos afro-americana). Mientras tanto, los blancos entonaban sus baladas, inspiradas en viejas canciones irlandesas, desarrollando lo que se hoy se conoce como 'country music'. Del choque entre ambas culturas nacería el rock and roll.

Las comunidades negras tenían una gran tradición musical, y pronto diversificaron su música en multitud de estilos que, en un principio, se agruparon bajo el nombre de 'rythmn and blues'. Fue posiblemente la mejora de sus condiciones laborales lo que posibilitó la incursión de ritmos más alegres y vivos en su música, de manera que muchos blancos empezaron a fijarse en esa nueva música que se producía en los guetos. El jazz, la expresión más culta de la tradición musical de los negros americanos, atrajo también la mirada de muchos músicos blancos que traspasaron la frontera que imponía la segregación racial del momento.

Esta música representaba a los jóvenes disconformes con la sociedad americana. Los combatientes negros de la II Guerra Mundial, que habían luchado codo a codo con los soldados blancos, se encontraron a su regreso con un rechazo racial; al mismo tiempo, los soldados blancos no encontraban trabajo a su regreso. Por lo tanto, ambos bandos no podían participar del mundo feliz que les machacaban sin cesar las canciones en los medios de comunicación, con temas dulces y románticos interpretados por "crooners" como Frank Sinatra, Perry Como, Cloney & Crosby... Los negros se refugiaron en su música rítmica llamada rhythm and blues y los blancos en las melodías del country.

La música campesina americana, llamada country, nace de la balada británica y de las jigas irlandesas. En las plantaciones de algodón de Mississipi los ritmos africanos, adaptados a las faenas del trabajo y a las manifestaciones religiosas, serían el origen del blues, una música sin ritmo, aspecto que cambiaría después de la liberación de los esclavos y el éxodo de loos negros hacia las grandes ciudades, en las que se ven obligados a adaptarse a un ritmo de vida más frenético, lejos del bucolismo y la tristeza y añoranza de su origen africano. Este fenómeno, junto con la aparición de la guitarra eléctrica, transformaran el blues en un estílo más rítmico en los ghettos negros de Chicago, dando origen al rhythm and blues padre rítmico del rock and roll. Entre otros, uno de sus creadores, en 1949 fué Muddy Waters.

Por otra parte, Hank Williams y Jimmie Rodgers serían los padres del country moderno, un estilo melódico que impregnó al rock and roll con sus melodías cursis, las cuales se disimulaban bastante bien, gracias al ritmo que les imprimía el rhythm and blues.

Las primeras estrellas

A principios de los años 50 decenas de grupos de blancos interpretaban sus baladas románticas intercalándolas con temas más movidos y bailables. Como todas las modas, ésta rechazaba lo anterior por anticuado, y el término rock and roll comenzó a utilizarse a partir de 1954 para designar toda esta nueva producción en contraposición al antiguo 'rhythm and blues'. En realidad se trataba de la misma música, pero la industria renegaba de un término con demasiadas connotaciones raciales, demasiado negro, para promocionar a sus nuevas estrellas.

Así, muy pocos músicos negros fueron promocionados entre los adolescentes blancos como estrellas del rock. Entre ellos podemos citar a Little Richard, Bo Didley, Fats Domino o Chuck Berry.

Paralelamente las discográficas encumbraron a sus cantantes blancos. Nombres como Bill Haley, Buddy Holly, Gene Vincent o el propio Elvis Presley se convirtieron en un referente para miles de jóvenes deseosos de consumir la música negra, aunque para ello tuvieran que cambiarle el nombre

Breve Historia del Rock

El rock agrupa de un modo general el conjunto de corrientes musicales que surgen a mediados del siglo XX en Estados Unidos. Considerado sinónimo de la música del siglo XX, el rock perdió con los años el marcado carácter anglosajón que tenía en sus orígenes para transformarse en un lenguaje universal y sometido a continuo cambio.
Al surgir de un modo espectacular trastornó la vida y los ideales de América. Como en Estados Unidos había tantos estilos musicales se escogieron los mejores, y mezclándolos surgió el rock. Aunque las autenticas raíces se encuentran en las músicas de los primeros esclavos, de origen africano, adaptadas y transformadas hasta llevarnos hasta lo que ahora es el rock.
El rock es en realidad el resultado, tras un largo recorte, de la adaptación de estas fuentes a una idea y una estética blanca. El compositor y bluesman negro Muddy Waters lo consideraba como "un hijo del rhythm and blues al que llamaron rock". Así era en su evolución, habían venido al mundo estilos como el blues o el gospel, típicos cantos religiosos de la comunidad negra. Y así con ambos estilos negros y el country surgió el rock.
Abundantes testimonios de los líderes de entonces representaban al rock como música que "rebajaba al hombre blanco a la categoría del negro". Testimonios muy mal acogidos entre los jóvenes de esa época, claro frases dichas por los padres.
La diferencia, en cualquier caso, radicaría en el hecho de que la base del rock estaba realizada a través de inyecciones de ritmo tan pronto más dulce, como de descargas de sonido estridente, rápido y energético.
Este recorte ligero hallaría su ídolo fundacional a mediados de los años cincuenta en la figura de Elvis Presley (1935-1977) aún cuando desde la primera grabación de blues registrada en la historia hubieran pasado casi treinta años. La compañía discográfica encargada de sacar a la venta el primer disco de rock fue: Sun Records a manos de Sam Philips. Este descubrió a jóvenes estrellas tales como Johnny Cash, Carl Perkins, Jerry Lee Lewis o el mismísimo Elvis Presley a quien dejo escapar ante una oferta tentadora.
El rock que había nacido como una música destinada a satisfacer la demanda de los adolescentes, había entrado en una dinámica ajena por completo envuelta en unos ropajes musicales cada vez más elaborados y complejos hasta el punto de que los críticos musicales del momento despreciaban a aquellos grupos. Es en esas circunstancias cuando empieza a formarse diversos movimientos de rechazo por parte de solistas y grupos deseosos de recuperar la rebeldía del primitivo rock.
Desde finales de los años sesenta el rock no ha dejado de aportar variantes y novedades respecto a las corrientes pioneras*, hasta el punto de que resulta imposible su enumeración y ha perdido presencia el planteamiento crítico, según el cual, un estilo se identificaba en función de una influencia dominante en un periodo de tiempo concreto.
Si el rock se definía como la música de las fiestas, del divertimento generacional o las reuniones sociales de la juventud, esta concepción varió de forma radical en los decenios siguientes cuando alcanzó a territorios como el del compromiso político.
*pionero/a: persona que inicia alguna actividad o da los primeros pasos de ella.

LOS PIONEROS

Elvis Presley:
fue el autentico bombazo que necesito esta música para terminar de romper las barreras. De origen humilde, trabajaba y en sus cortos ratos libres se dedicaba a la música. La primera vez que grabó un disco de canciones populares se lo regaló a su madre. En Julio de 1954 grabó su primer disco con canciones propias. Después de grabar ese disco Elvis dejo de trabajar y se convirtió en cantante profesional.
The Rolling Stones:
fueron los malos de la película, los buenos eran The Beatles. La banda que lideraba Mick Jagger si podía ser una amenaza para la sociedad, de echo lo fue, y tenemos como por ejemplo sus primeros años de vida: violencia, drogas, juicios y muertes. Uno de sus componentes Brian Jones fue encontrado muerto en la piscina de su casa el 3 de julio de 1969, cuando tres semanas antes había decidido abandonar el grupo.
The Beatles:
los chicos buenos. Cuatro chicos de Liverpool que se encargaron de dar un giro de noventa grados a una música de entonces el twist. Vestidos en cuero y con un repertorio cuajado de clásicos del rock despertaron el interés de los jóvenes británicos y alemanes. The Beatles fue la banda más reverenciada e influyente de la historia de la música popular.

HISTORIA DEL PUNK-ROCK

El punk-rock en su acepción literal significa "rock basura". Su lema era "no future" y despreciaba a los viejos representantes de los poderes desdichados como Mick Jagger, a quien se denominaba como "sujeto-poco-recomendable-como-novio-de-tu-hija"
La acepción englobó a un conjunto de bandas surgidas en Londres y cuyo epicentro se encontraba en la tienda de moda que desde 1971 regentaba el promotor y veterano simpatizante del movimiento suprematista Malcolm McLaren. No obstante, sus antecedentes más claros se encuentran en Estados Unidos. Bandas como MC5, Velvet Underground, Iggy Pop, New York Dolls, etc... aportaron con sus actuaciones en directo una visión renovadora e inconformista del rock que sirvió de modelo inspirador a los punks británicos.
Pero el punk-rock no se limitó a ser tan sólo un estilo musical. Primero porque sus primeras manifestaciones poseían un carácter más general y purista al afirmar y rechazar la decadencia del rock profesionalizado y deformado en aquella época por los intereses comerciales de las grandes compañías discográficas. Aunque ahora solo queden nombres como Sex Pistols o Ramones.
Este impulso de rebelión se intensificó asimismo por el periodo de penuria económica que el Reino Unido sufrió durante la era thatcheriana, que agudizó las desigualdades sociales y condujo a la frustración y el desempleo a amplios sectores de la población afectando de forma especial a los jóvenes.
Por último, el punk conoció una rápida e inusitada difusión, visual antes que musical, gracias a sus manifestaciones externas, que no se redujeron a la simple exhibición de sus llamativos y singulares rasgos de identidad estética, marcados por la espontaneidad y el afán de ruptura.
El primer disco punk que se grabó y distribuyó en la historia del rock fue el single titulado "New Rose", de The Damned, aparecido en noviembre de 1976. Los éxitos de este grupo no restaron protagonismo a la formación considerada pionera y líder indiscutible del punk: SEX PISTOLS.

LA NEW WANE

Se conoció así a una segunda corriente por el gran publico. La new wane, pese a las enseñanzas del punk, recupero la superioridad del pop, que hizo que el renacer del rock consiguiera superar la dualidad América-Reino Unido: aparecen nuevos grupos australianos y suecos que logran romper sus límites geográficos para darse a conocer internacionalmente.

EL GRUNGE

El grounge es un fenómeno de características similares a las del punk, se inicio en Seattle con grupos como Nirvana. Nació cuando el rock estaba a punto de cumplir cincuenta años al fusionarse de nuevo con ritmos negros que le aseguraran una larga supervivencia en el futuro. Los pioneros fueron Prince o el grupo de rock negro Living colour, aunque luego la función de mezclar guitarrazos con bases rítmicas de funk o hip hop la desempeñaran grupos como Rage Against the Machine o Red Hot Chili Peppers.
El ultimo líder que se a metido en la lista de mitos fallecidos a sido Kurt Cobain líder del grupo Nirvana que llego hasta el final de su rockera vida suicidándose en 1994 pegándose un tiro en la cabeza con una escopeta. Y todo por "rock´n´roll way of live"


TRIBUS URBANAS

ROCKERS

Fans de Elvis Presley y de otras figuras del rock blanco primitivo, sus señas más visibles son los tupes engominados, las cazadoras de cuero y los pantalones con dobladillo visible. Extremadamente conservadores en lo musical han perdurado durante los años pese a no contar con ningún artista o grupo de renombre que les represente actualmente en los escenarios. No obstante se mantienen como una de las tribus urbanas más visibles.

MODS

Movimiento de origen británico y al contrario que los rockers sus preferencias apuntan a la música negra, aunque sus principales ídolos son blancos, como por ejemplo The Who. Sus principales rasgos es que vestían de forma elegante aunque vistosa y llamativa: pelo corto, chaquetas estrechas, corbatas finas... Con la aparición de bandas como Blur los máximos adoradores del estilo colorista de los años sesenta han recuperado todo su esplendor.
HIPPIES

El movimiento hippie trataba de mostrar rechazo abreviado a los valores establecidos en la sociedad de los años sesenta. Su lema "paz y amor" englobaba una nueva escala ética que defendía el pacifismo, la anulación de las desigualdades de todo tipo (sexuales, raciales, credenciales, etc.) y se enfrentaba al sistema político y económico que reinaba en esos años, apoyaban causas rebeldes de todo el mundo y defendían una ideología de izquierdas. Sus rasgos estéticos son: pelo largo, ropa totalmente informal, incluidas prendas rotas o usadas. En lo musical tenían como principal referencia el blues-rock. ¡Ah! Vivían en grupos, todos juntos.

HEAVY METAL KIDS

El movimiento Heavy Metal Kids es la evolución final del rock´n´roll llegando a los limites del ruido y de los excesos instrumentales. Sus seguidores son más numerosos ahora y sus rasgos especiales son: ropa vaquera ajustada, pelo largo y muñequeras con remaches metálicos puntiagudos.

PUNKS

Tienen origen a mediados de los años sesenta, mostraban posturas estéticas más rabiosamente desafiantes: ropa rota, camisetas con los nombres de sus ídolos pintados, pelo erizado formando crestas, y una serie de accesorios impensables como joyas: collares de perro, candados, imperdibles, cadenas metálicas, cuchillas de afeitar y un largo sin fin de cosas así.

B-BOYS

Se trata de una tribu de origen racial que presenta los sentimientos de los negros de los barrios marginales. Su música es el hip-hop, estilo musical de rítmica entrecortada sobre la que se desgranan texto de lucha social. La forma de interpretar estos textos se denomina "rap" y se caracterizan por recitarlos en vez de cantarlos. Su expresión estética se manifiesta con gorras y camisetas de béisbol, pantalones vaqueros muy anchos, zapatillas de baloncesto y grandes cadenas doradas.